Au numéro 25 sur un panneau rose, le dessin d’un joli cochon signale, pas d’erreur possible, qu’on est bien arrivé : on est aux Salaisons. Ici, Laurent Quénéhen nous attend les vendredis, samedis, dimanches et sur rendez-vous.

Il n’est pas bavard Laurent, il est émouvant. Avec un trois fois rien et beaucoup de sensibilité il fait tourner cet espace d’expositions qu’il dédie aux jeunes artistes, aux talents émergents.

Si la valeur artistique du multiple n’est plus à démontrer, dans l’usage il reste plus accessible que l’œuvre unique. Œuvre d’art à part entière, le multiple est souvent l’occasion pour l’artiste de travailler en collaboration avec différents corps de métiers. Comment les artistes considèrent ces productions ? Qu’est-ce qu’ils investissent de leur travail dans la pratique du multiple ?

Agnès Thurnauer nous livre dans cet entretien sa conception du multiple et nous explique la genèse de trois éditions.

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Interview réalisée en août 2010


texte :Juliette Cortes
vidéo : Vincent Bouchenez

Nous avons pénétré dans l’antre chromosomique aux couleurs de l’espérance. « Happy Few », comme disent nos cousins anglais, à qui le régisseur principal de la Cité à fait une visite guidée et hautement privée.

Nous avons découvert que les structures en béton de ce monstre de design sont classées aux monuments historiques parce que ce sont les premières constructions en béton connues en France, qu’elles sont le témoignage en dur d’un savoir-faire qui remonte à 1907. Etonnante découverte !

La « Cité », comme on aime l’appeler, s’est déployée sous nos yeux, dans toute son immensité. La visite a pris fin sur le toit, où s’étend une gigantesque terrasse, verte elle aussi, car parsemée de végétaux qui poussent vers le ciel.

A ciel ouvert, au sommet d’une structure verte désarticulée, les visiteurs « Chic » d’un jour ont apprécié le soleil de midi et le spectacle d’un quartier de la capitale en évidente mutation, évolution, explosion…
Au loin, l’on aperçoit les bateaux, les buildings, les gares, les bureaux perchés en haut des tours… A nos pieds, l’on sent le fourmillement des patrons et employés de l’univers de la Finance, qui fait ressembler ce quartier à celui de La City à Londres. Au sud est, l’on suit les voyageurs pressés s’engouffrant Gares d’Austerlitz ou de Lyon.

Et toujours, le bercement des flots de la Seine, doucement, qui apaise le paysage et plonge le flâneur dans une langueur poétique. Il s’endort, bienheureux…

Secret et silencieux, mais jusqu’à quand ?

Il est grand temps que CHIC vienne éveiller ce monstre d’art qui dort… CHIC ART FAIR a frappé à sa porte, elle s’est ouverte.

Remerciements, félicitations, bilan…

Ce dernier mot rime avec accomplissement.

Et c’est exactement ce qu’expriment Cécile Griesmar et Sandrine Bisognin,

Deux directrices de foire pour le moins hors du commun.

Elles ont le sentiment

D’avoir accompli un événement

Qui continuera à faire du bruit au moins jusqu’en automne…

D’autres projets prennent formes…

Alors, à vos calendriers,

Car ce duo féminin

Infernal,

Parisien,

N’a finalement pas dit son dernier mot,

Et vous donnera rendez-vous très bientôt…

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Interview réalisée en avril 2010

texte :Aurie Sitruk
vidéo : Vincent Bouchenez

Ils se sont admirés pour la première fois sur un spectacle qui mêle poésie, musique et danse, dans l’ancien Opus Café. Un contexte soul, où se côtoyaient slam, opéra, théâtre, danse. Mais, les deux sont surtout voisins de rue. Ils échangent, dès lors, de bons moments artistiques. De la collaboration nait une amitié vite sublimée par l’admiration mutuelle que ces joyeux lurons ne cessent d’évoquer.

L’un est artiste peintre et dessinateur. Mais aussi clarinettiste.

L’autre est un slameur connu, « un poète des temps modernes », comme disent les médias, qui manipulent les mots comme on jonglerait avec des oranges. Il aime les collaborations, avec des danseurs, des musiciens, des plasticiens. « John Banzaï ? Un nom de guerre, un nom d’amour. Il me donne des ailes et des racines », affirme-t-il presque étonné que je lui pose la question. Certaines données paraissent tellement naturelles dans son parcours qu’il lui est étrange d’avoir à les expliciter.

Les deux artistes ont beaucoup de points communs et leur association n’est finalement pas un hasard. Ils expérimentent l’entrelacement des arts. Autre dénominateur commun : la femme. Ils prennent le temps de s’écouter et de faire des mixes intéressants pour le public.

John Banzaï est marqué par le hip hop. Il a toujours écrit, aime le rap, va vers le slam. Il parle des ses fantasmes, de ce qu’il érige comme sa vérité, ses désirs. « Je est un autre, l’autre est soi ».

Entre autres collaborateurs, on trouve le graffeur LAZOO, qui a fait la pochette de son album Lover Dose. John Banzaï est également parrainé par les Nubians, qui l’ont invité en tournée aux Etats-Unis et pour lesquelles il a écrit aussi.

Avec Suleyman Diamanta, il réalise un Duo duel, où il se décrit comme « Le meilleur ami des mots ». Il co-écrit ensuite un recueil de poésies intitulé « J’écris en français dans une langue étrangère », paru aux éditions Complicités. Il travaille avec DJ Wamba, avec lequel il sort un projet, singulier lui aussi, « Embrasse-moi dans une autre langue ». Il compose en polonais et a le projet d’écrire des poésies dans sa langue maternelle.

Ainsi, l’actualité de John Banzaï et ses créations témoignent d’un réel attachement au verbe, au mot en tant que geste. Sa rencontre avec Xavier Devaux relève donc d’une certaine définition du destin, ces deux-là étaient faits pour croiser leur dynamique, leurs passions, leur savoir faire et laisser une empreinte.

Xavier aime dire des mots. Son travail est une recherche, un questionnement sur les mots et la forme, le fond. Il peint et dessine depuis l’enfance. A 10 ans, il avait déjà envie d’être peintre. Mais entre la peinture et le théâtre, son cœur a balancé un moment. Son unique souci : lui qui arrivait à tenir un rôle sur scène, n’a jamais osé montrer son travail d’artiste plasticien. Il a entamé une démarche d’exposition avec la Galerie Mondapart seulement depuis un an et demi. Et l’élément biographique n’est pas anecdotique : son père, fervent supporteur de son travail, met les œuvres dans un panier et part faire l’apprenti commercial dans la première galerie qu’il croise autour de chez lui. C’est le début de la rencontre avec Isabelle de la galerie Mondapart, qui reconnait dans Xavier Devaux l’œuvre d’un grand artiste.

Dessinateur académique, pour lui le dessin est un souffle, la réponse à un questionnement ou le questionnement lui-même, qui lui permet de trouver un équilibre. Son travail graphique tourne autour de l’inconscient, on peut ainsi dire qu’il consiste à l’exploration de lui-même. Il aime les mots, presque instinctivement, il aime l’instant, d’où sa collaboration avec John et le slam de l’improvisation. Quand il se met à dessiner ou à peindre, qu’il soit en mode performance ou pas d’ailleurs, il commence par se concentrer pendant quelques minutes. Puis il laisse glisser le trait sur environ trois quarts d’heure. Mais la première minute est déterminante.

 Comme devant toute page blanche, le peintre ou le poète doit puiser l’inspiration à l’extérieur de son art. Banzaï et Devaux ont compris qu’en abolissant la page blanche, ils arriveraient à s’affranchir de la panne d’inspiration. D’où l’improvisation. D’où aussi la nécessité de marcher à deux.

Lover Dose, dernier album de John Banzai, compositeur Davido, projet Hip hop Jazz.
Xavier Devaux est un artiste présenté par la Galerie Mondapart, BOULOGNE-BILLANCOURT (92).

Ils sont trois à présenter le travail de plusieurs artistes dans le cadre de foires ou d’expositions ponctuels. Leur crédo : une économie de moyens pour un maximum de réflexion.

Pour Chic, ils présentent la collection de feu Mr X, qui va disparaitre pour réapparaitre chez d’autres acquéreurs, sous une forme forcément différente. L’idée de cette exposition nait avec leur visite du Pavillon nordique à la Biennale de Venise, en mai 2009. Il présente une villa des années 1960, entièrement reconstituée, que les visiteurs peuvent admirer de l’intérieur. Quel effroi lorsque ceux-ci découvrent le cadavre du collectionneur dans la piscine !

Pour nos trois mousquetaires, Alberto, Paolo et Michel, c’est le déclic, un nouveau projet prend forme. Inspirés de cette histoire, ils vont eux-aussi tuer un collectionneur, Mr X, pour lui inventer une collection en vente dès le premier jour de Chic Dessin.

Des photos détournées, des pochoirs, des collages, une poupée Barbie® dans la gueule d’un crocodile, des carnets d’inspiration, un cabinet érotique japonisant, des éléments loufoques et osés jalonnent les deux pièces de l’appartement du collectionneur. Assis autour du mobilier de bureau de chez USM, adapté à cet intérieur… La vente aux enchères peut commencer.

Ces trois sacrés personnages se sont retrouvés une fois de plus à Paris pour exposer leur dernier projet. Less is More Projects fonctionne un peu comme un commissariat d’exposition. Un thème, des artistes et un fil conducteur très travaillé, très réfléchi, donne le ton à chaque nouvelle ambition.

Pour autant, Alberto, Paolo et Michel ont des influences d’ailleurs. Florence, Londres, la Renaissance, la Photographie, le Collage, le Japon… Un point commun, mise à part leur association : ils ont chacun un travail « officiel », comme ils se plaisent à le dire. Autrement dit, Less is More Projects n’est pas leur seule activité. LIMP est une force collective, une synergie de cerveaux, de sensibilités artistiques et d’emplois du temps.

Avoir un bureau pour imaginer sans cesse de nouveaux projets n’est pas un concept novateur en soi. Leur idée est de se concentrer sur la présentation du travail d’un artiste, différemment. De ne retenir de cette mission que les choses importantes. D’où le choix délibéré de ne pas avoir de galerie sur rue : pas de pression financière ou d’obligation à représenter absolument tel ou tel artiste. Less is more montre un parti pris, une approche résolument nouvelle en France mais finalement plutôt courante chez nos voisins européens.

Jonglant ainsi entre un poste de responsable marketing au Musée Rodin, un travail artistique tourné vers le collage et la photographie, Alberto est le chef d’orchestre avisé de cette joyeuse association. Il décrit le trio comme les « Galeristes d’un projet ». Il a cette attention particulière au moindre détail, qui lui vient de sa formation de décorateur. Compétence qu’il partage avec Paolo, qui lui aussi a exercé ce métier peu valorisé en France de décorateur de vitrines.

Les trois hommes voient dans l’espace de la galerie un point d’attraction et de répulsion. Le concept de White Cube est le symbole de toute une époque. Cependant, il convient d’en casser la froideur. Comme ils le disent si bien, « de ne garder que l’essentiel », et surtout « de créer les conditions nécessaires à exposer convenablement le travail d’un artiste », pour en faire ressortir toute la puissance.

Alberto, Paolo et Michel ont donc choisi d’avoir la liberté de présenter l’essentiel, dans une collaboration à la fois artistique et amicale.

A mesure que j’écoute Hélène Mugnier parler de son activité professionnelle, je suis frappée par son énergie.

Hélène Mugnier suit les mutations structurelles majeures de l’entreprise. Elle se confronte à deux problématiques croisées : aujourd’hui, les manageurs des grandes entreprises sont amenés à diriger des équipes toujours plus nombreuses et spécialisées et il leur est demandé d’être bons sur tous les terrains du management ; ceci étant impossible, il en découle un cloisonnement des fonctions et des hommes.

Son idée : parler de l’art en entreprise et proposer des séances de formation originales aux salariés.

Armée de ses connaissances en histoire et en art, forte d’un cursus à l’Ecole du Louvre, Hélène propose des conférences, des débats ou des formations pédagogiques appliquées au management. Elle prend conscience assez tôt dans son parcours que l’évolution des pratiques des entreprises fait appel à la création. Notamment, au dessin et au design. Le schéma explicatif d’une stratégie de management en est un exemple.

Lors de ces séances, elle propose des méthodologies qui permettent de démystifier la création artistique, qui repousse ou fait peur. Ainsi, en introduisant l’art dans la vie quotidienne des salariés, Hélène entend redonner du sens à une pratique professionnelle souvent en perte de valeur.

D’un point de vue pratique, elle apprend à décrypter un tableau, à improviser à partir de la scène qu’il présente. Hélène Mugnier reste très attachée à un travail de « R&D », selon son expression : une fois par mois, elle suit le travail d’artiste, leur évolution afin de rester connectée à la création contemporaine.

Un jour, l’éditrice de chez Milan, collection Des métiers, une passion, la contacte pour la rédaction d’un livre, et il s’ensuit 6 mois de travail intense et passionnant sur Les Métiers du Dessin. Des moments de bonheur pendant la rédaction de son livre, elle en a plusieurs, et son interview de Jean Nouvel, leur rencontre à Saint-Paul de Vence lui laisse un souvenir professionnellement délicieux.

Des rencontres professionnellement percutantes, Hélène Mugnier en a souvent. A l’instar de sa première rencontre avec Cécile Griesmar, dans une école d’ingénieur, lors d’un séminaire électif sur le management dans les industries culturelles. Elles abordent toutes deux l’impact des nouvelles technologies dans la pratique des artistes. Cécile faisait partie des intervenants… les deux femmes partagent ce même regard distancié, cette dynamique qui leur donne envie d’inclure l’art dans une plus grande part de leur quotidien et celui des autres. Cette même passion pour la création contemporaine aussi. Hélène décide d’interroger Cécile pour son livre. A propos du dessin, elle pense que c’est le meilleur moyen connu par l’homme pour formaliser une idée de manière visuelle. Elémentaire mais néanmoins intelligent.

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Interview réalisée en avril 2010

texte :Aurie Sitruk
vidéo : Vincent Bouchenez

A l’instar de l’artiste qu’elle présente, Françoise Bornstein a fondé sa galerie sur un concept familial : SIT DOWN ! Son père avait créé un canapé à la ligne épurée et angulaire en 1968. Une création très avant-gardiste, et il faut le dire, particulièrement confortable ! Quelques décennies plus tard, elle décide de le commercialiser. Elle a le contenu : le canapé certes, mais aussi l’idée qui est livrée avec. L’envie de dire qu’il faut marquer un temps d’arrêt, s’assoir et apprécier les œuvres posément. Prendre le temps de les contempler, de fouiller du regard ce que l’artiste présente sous nos yeux.

Dans cette veine, elle expose pour Chic Dessin les œuvres co-signées par Christian Roux et Thomas Lemut, qui seront ensuite exposées à la galerie Sit Down du 1er avril au 15 mai. De cette collaboration tricéphale est né le concept de « boites de contemplation ». Suivant l’idée annoncée par la foire d’associer dessin et design, Thomas Lemut, sculpteur et designer, entreprend de créer des demeures en acier brossé pour les dessins de villes de Christian Roux. Enfermés ainsi dans une boite, dont les branchies d’aération laissent subrepticement pénétrer la lumière par les côtés, ces illustrations en noir et blanc peuvent être secrètement contemplées en approchant l’œil de l’étroite fente sur le devant. Dans l’intimité ainsi créée, le spectateur tisse avec le dessin une relation singulière : c’est comme si l’œil et le tracé établissaient un dialogue dans la pénombre. Et s’ils s’attardent suffisamment, certains yeux finissent par voir les éléments du dessin avec un relief étonnant. « C’est comme si l’on entrait dans le cerveau du dessinateur », nous dit Françoise, que l’on visitait uniquement avec les yeux, ces villes imaginaires aux éléments structurels superposés, les maisons, les étages, les ponts, les cheminées, les coupoles, les fenêtres… un environnement extérieur présenté dans un intérieur protecteur, des dessins aux accents naïfs et innocents, qui ne sont pourtant pas laissés à la vue de tous. Ces œuvres sont ainsi réservés aux esprits curieux, elles ne s’adressent volontairement pas à ceux qui s’autocensurent en passant à côté, sans s’en approcher. Les deux artistes se réclament ouvertement de cette idée, ils ont l’air de deux agitateurs philosophes, discrets mais efficaces. Entre les deux, l’osmose passe bien, quand l’un parle, l’autre injecte dans le discours les mots nécessaires à finir la phrase.

Une fois l’expérience réalisée, on aurait presque du mal à regarder un dessin d’une autre manière, tant cette méthode de contemplation parait juste.

La boite de Thomas et le dessin de Christian ne forment qu’une seule entité qui ne fonctionnerait plus séparée. Dans cette fusion réussie entre une enveloppe froide, métallique, et un intérieur chaleureux et dense, le spectateur ne peut que s’assoir et méditer, satisfait de la découverte ou perplexe, l’œil encore flou. Qu’importe, car à la galerie, le canapé Daddy est toujours là pour recueillir l’intensité de la rencontre.

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Interview réalisée en mars 2010

texte :Aurie Sitruk
vidéo : Vincent Bouchenez